L’art moderne est né au début du vingtième siècle, mais on peut en trouver le premier germe, la relativité, au quinzième siècle, et le second, l’autonomie, au dix-neuvième siècle. Cette conférence expliquera pourquoi l’art moderne ne pourrait exister sans ces importants changements dans les idées.

Dans l’abondance des divers styles artistiques qui jalonnent l’histoire, il existe deux espèces principales qui reflètent deux façons de voir et de représenter le monde : l’absolue et la relative. Les oeuvres d’art de type absolu représentent le monde tel que, d’après leurs auteurs, il « est “, tandis que les oeuvres de type relatif représentent le monde selon son apparence. Une variante de l’art relatif représente le monde tel qu’il est « perçu » ou, pour dire autrement, de telles oeuvres représentent l’expérience émotionnelle d’une rencontre avec soi-même. Des germes de cette relativité, qui est un prérequis pour l’art moderne, se trouvent dans des oeuvres de la Renaissance, des périodes baroque et romantique, mais encore plus dans l’impressionnisme et le postimpressionnisme français.

Un second germe de l’art moderne réside dans l’effort pour rompre le lien entre l’art et le monde réel, afin que l’oeuvre existe par elle-même. Ce germe, l’autonomie, rend possible l’art abstrait (ou non figuratif). Paradoxalement, le mouvement qui insistait sur le fait que l’art doit représenter des sensations visuelles réelles fut l’impressionnisme français, mais c’est dans l’impressionnisme français qu’on trouve en premier le germe de l’autonomie.